Somos Fogata Cultura, estudio de comunicaciones y gestión cultural enfocado en las artes escénicas. Desde nuestra gestación en 2018, buscamos potenciar al sector entregando las herramientas necesarias en el ámbito de la comunicación y producción para prender, visibilizar e impulsar proyectos artísticos.
Comprendemos el trabajo de el o la artista/compañía/institución/festival desde su génesis e identidad para acompañarles y transmitir lo más fiel posible su proyecto y objetivos al público/audiencia/espectador. Ofrecemos un servicio integral que contempla gestión de prensa, redes sociales, diseño gráfico, fotografía, audiovisual, programación de sitio web, producción y gestión cultural.
En este sitio web encontrarán nuestro portafolio digital donde presentamos todos los proyectos que hemos gestado y con los que hemos colaborado, un trabajo que nació desde el más profundo amor a las artes.
Desde 2021 hemos desarrollado un programa formativo enfocado a entregar herramientas en torno a la gestión cultural y las comunicaciones para que los y las trabajadores/as de las artes escénicas conozcan y manejen nociones básicas a la hora de gestar, producir y difundir su trabajo de manera eficiente y atractiva.
Hemos participado en diversas instancias formativas, entre ellas el proyecto Emprende Escena en el curso “Marketing digital”; con nuestro Laboratorio “Prende tu idea” y el Taller “Constucción de portafolios” junto a la Seremi RM del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio; y el Laboratorio “Comunicaciones para artes escénicas” junto a Teatro La Memoria.
Podcast “Prendiendo La Fogata”
También tenemos nuestra propia plataforma de difusión, donde reunimos a nuestras leñas para encender la llama cultural en el podcast “Prendiendo la fogata”.
En las temporadas 1 y 2, gestadas en plena pandemia, quisimos compartir la crítica, la reflexión, las ideas y las experiencias desde las diversas miradas de prendidxs invitadxs, buscando aportar a la incandescente llama del mundo de la cultura y las artes. En la temporada 3, prendimos la fogata de la diversidad, los territorios y las ideas para conversar especialmente de culturas migrantes y pueblos originarios; feminismos y disidencias sexuales; infancia, tercera edad e inclusión, junto a colectivos y personas dedicadas a las artes escénicas desde distintas disciplinas y rincones de nuestro país.
Desde 2021 venimos desarrollando un programa formativo enfocado a entregar herramientas en torno a la gestión cultural y las comunicaciones (prensa, diseño gráfico, redes sociales, etc.) para que los y las trabajadores/as de las artes escénicas conozcan y manejen nociones básicas a la hora de gestar, producir y difundir su trabajo de manera eficiente y atractiva.
Hemos participado en diversas instancias formativas, entre ellas el proyecto Emprende Escena en el curso “Marketing digital”; con nuestro Laboratorio “Prende tu idea” junto a la Seremi RM del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio; y el Laboratorio “Comunicaciones para artes escénicas” junto a Teatro La Memoria.
Este 2023 nos extendimos hacia las artes visuales para llevar a cabo el taller de CONSTRUCCIÓN DE PORTAFOLIOS, que tiene como objetivo extender herramientas de gestión para la elaboración de proyectos artísticos, para la construcción de un plan de difusión y confección de un portafolio. Se trata de un programa formativo con un enfoque teórico-práctico y reflexivo que busca entregar nuevas herramientas en relación a la gestión, producción, difusión y comunicación visual de proyectos culturales de artistas visuales.
Se dividen en 3 bloques con una duración total de 4 horas: “Gestión y financiamiento”, impartido por Tania Rebolledo. “Construyendo un plan de comunicaciones”, impartido por Tania Araya. “Comunicación visual”, impartido por Juan Ignacio Viveros.
El taller se llevó a cabo en 10 comunas de la Región Metropolitana: Independencia, Til Til, Providencia, Maipú, San Miguel, Santiago, El Monte, El Bosque, Ñuñoa y Macul.
Actividad gratuita, financiada por la Secretaría Regional Ministerial de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de la Región Metropolitana.
Nuestra llamita Carolina Cares, más conocida como Lala, es Periodista y Diplomada en Estética, feminismo y crítica, y realiza mensualmente comentarios de la escena teatral santiaguina. Diversidad de montajes y compañías completan este abanico de reseñas bajo la pluma de la Lala para visibilizar y reflexionar sobre los estrenos que se vienen este año y que seguro darán mucho de qué hablar.
La trilogía final de La Provincia: el fracaso del teatro
09/06/23
Las primeras dos entregas de la Trilogía final con la que Teatro La Provincia conmemora sus 30 años en Teatro La Memoria, Edipo stand up tragedy y Hablan, se construyen en dos hilos argumentales que van trenzándose para ofrecer una reflexión sobre el teatro, mientras, sobre el escenario, se despliega la puesta en escena de un clásico. Así, a través de la frustración de Edipo y de los ensayos y repasos de una escena de María Estuardo, aparecen las preguntas sobre el lugar del teatro –y de los actores, actrices, dramaturgas/os, técnicas/os– en un mundo que pierde el eje y en el que, durante los últimos tres años –que se han sentido como siglos– las preguntas de antes parecieran haber perdido importancia.
El trabajo de Rodrigo Pérez en la dirección y de Leyla Selman en la dramaturgia, pone en el escenario la pregunta por el sentido del teatro. ¿De qué hablar cuando hemos vivido una revuelta social, una pandemia que cerró las salas por meses, cuando nos acecha el fascismo, cuando como país avanzamos un paso y luego retrocedemos tres? ¿Hacia dónde mirar cuando no hay más que incertidumbre a nuestro alrededor? ¿Para qué el teatro, entonces? En estas preguntas habitan los fracasos con los que La Provincia teje el pasado, el presente y el futuro, derriba muros imaginarios y plantea un doble trabajo actoral: un actor/actriz que se pregunta por su lugar en el mundo, y un personaje que, atribulado, no logra superar su destino. “El teatro es un oráculo”, dice Cristian Carvajal en Edipo, y quizás la gran pregunta radica precisamente en esa idea. Si ya no podemos leer lo que está pasando afuera, ¿qué vamos a mostrar aquí adentro? Una brújula que intenta recuperar su norte a través de tres obras que van y vuelven sobre esa pregunta, gracias a los textos inteligentes y críticos de Leyla, cruzados por el humor.
Para esto, Pérez y Selman eligen abrir la obra al público, para verla con más perspectiva, desde un poco más lejos. En Hablan –con Claudia di Girólamo y Francisca Márquez– miramos un ensayo desde una ventana o una puerta entreabierta, las vemos repasar líneas, hablar sobre el teatro, la obra, el vestuario (en el que destaca el trabajo de Catalina Devia). La reflexión sobre el teatro es también un regalo: la posibilidad de ver lo que como espectadoras siempre se nos oculta: el ensayo, el error.
La dupla de Claudia di Girólamo y Francisca Márquez es un acierto, es un placer verlas sobre el escenario. Ambas en sus roles de la reina Isabel I y María Estuardo, respectivamente, nos sumergen en los universos de los personajes y también de esas actrices que se preguntan si sirve de algo lo que están haciendo.
Al inicio de ambas funciones, Rodrigo Pérez ha contado que estas obras son muy personales, que incluso le da cierto pudor. Sin embargo, no hay ejercicio más honesto que el de pensarse y repensarse en un contexto cambiante y a ratos tan hostil. Es, posiblemente, la única forma de asegurar la existencia del teatro.
FICHA ARTÍSTICA HABLAN: Dramaturgia: Leyla Selman | Puesta en escena: Rodrigo Pérez | Elenco: Claudia di Girolamo y Francisca Márquez | Diseño de iluminación y vestuario: Catalina Devia | Diseño Gráfico: César Erazo | Música: Guillermo Ugalde | Realización de vestuario: Elizabeth Pérez | Realización de pelucas: Carla Casali | Producción: Teatro La Provincia
Proyecto Villa: un país como una casa
16/05/23
Escribo este comentario el día en que el ministerio de Bienes Nacionales anunció la restitución del ex balneario y ex centro de detención y tortura “Rocas de Santo Domingo”, para su puesta en valor y administración como sitio de memoria. En este caso fue indispensable la labor de la Fundación para la memoria de San Antonio, tal como lo ha sido en la mayoría de estos espacios: son las agrupaciones de derechos humanos, las y los sobrevivientes y sus familias, quienes luchan por la recuperación de estos sitios para mantener vivas las memorias de represión, resistencia y solidaridad.
Más de medio centenar de casas particulares fueron utilizadas por la dictadura para establecer cuarteles y centros clandestinos de detención y tortura. La apropiación de los inmuebles era unilateral, las familias fueron simplemente expulsadas. Los lugares no volvían a ser los mismos, y los recuerdos albergados fueron borrados por la brutalidad de la acción de militares y civiles. Proyecto Villa, de Edison Cájas y Daniela Contreras López, estrenada en 2019 y con una nueva temporada este año, devuelve a la espectadora a la intimidad de esos hogares, al comedor donde quedaron restos de un pan a medio comer, fotos desparramadas sobre un mueble, un televisor encendido alrededor del cual se reúnen, esta vez, hombres y mujeres, a 50 años del golpe de Estado.
La performance está a cargo de Paulina Urrutia y Daniel Candia –quienes son también anfitriones en esta experiencia–, mientras que el público es el tercer integrante de esta puesta en escena que utiliza registros audiovisuales y sonoros de sobrevivientes, en los que relatan cómo vivieron sus días en cautiverio, cómo se vinculaban entre prisioneros/as y cómo resistieron juntos/as la violencia y la incertidumbre. Los relatos son conmovedores. Las estaciones dispuestas en la sala también: a nuestro lado puede caminar una víctima; podemos compartir la mesa con un victimario. Proyecto Villa funciona como un espacio de memoria itinerante, aunque bajo nuestros pies, el GAM, también guarde sus propias historias. Es un ejercicio emotivo e indispensable en los tiempos que corren, desarrollado con la sensibilidad y perspectiva que se merecen quienes pasaron por estos lugares, muchos de ellos a quienes todavía buscamos.
FICHA ARTÍSTICA: Dirección y dramaturgia: Edison Cájas y Daniela Contreras López | Performers: Paulina Urrutia y Daniel Candia | Diseño e iluminación: Nicolás Jofré | Directora de arte: Daniela López | Realización audiovisual: Edison Cájas | Composición musical: Gonzalo G. Galleguillos | Asesoría investigación: Evelyn Hevia
Antes de morir quiero conocer el cielo: el amor como trinchera y resistencia
10/04/23
La violencia contra las mujeres retumba en un eco que no termina de perderse. Es una ola que constantemente arrasa y erosiona nuestras sociedades. La violencia contra las mujeres lesbianas y disidencias sexuales y de género es, además, el eco de una justicia que no termina de llegar. Antes de morir quiero conocer el cielo, de la compañía La Chueca, aborda el dolor de la injusticia por el asesinato de Mirlo, las redes de afecto, la memoria y los cuidados que se tejen en torno a su lesbicidio. La conmemoración de un año más de su muerte –todavía impune– es el hito que reúne a la licenciada Moya, tía de Mirlo –y quien es hostigada en su pueblo por su orientación sexual–, con su hermana Sandra, quien la culpa por el camino transitado por su hija Mirlo. Este reencuentro es propiciado, además, por la visita de una amiga de la familia y un antiguo amor.
El texto de Rae del Cerro aborda la crudeza de la violencia, pero también la profundidad de los vínculos afectivos como trinchera y resistencia ante el horror. No hace falta decir que está basado en una historia real si consideramos la travesía de las familias y amigues de Nicole Saavedra y Anna Cook por justicia. En ese recorrido –en el montaje y en la realidad– las familias enfrentan la negligencia de un sistema judicial patriarcal, la desidia de la mayor parte de la sociedad y el desinterés de los medios de comunicación. En contrapunto, las nuevas generaciones movilizadas porfían y buscan mantener viva la memoria. Este cruce de mujeres nos recuerda que esta lucha es una posta, y que todo camino avanzado es un faro para les más jóvenes, quienes no necesitan conocer a Mirlo para poner el cuerpo en la protesta frente a la injusticia.
El montaje ocurre en la intimidad de la licenciada Moya, su casa, un lugar que para muchas mujeres y disidencias no es un espacio seguro. Por el contrario, el hogar en ocasiones ofrece el primer encuentro con la violencia. Sin embargo, pese a la densidad de la reflexión propuesta por La Chueca, la obra transita con humor y ternura por la vida de sus protagonistas, atravesada por la experiencia de ser mujeres y lesbianas en un país como el nuestro. La dirección sensible de Javiera Mendoza invita al público a reír, a llorar, a enternecerse, y sobre todo, se trata de un estímulo para conversar y movilizarse.
FICHA ARTÍSTICA: Compañía: La Chueca | Dramaturgia: Rae del Cerro | Dirección: Javiera Mendoza | Elenco: Marcela Salinas, Carla Casali, Coca Miranda e Hitzka Nudelman | Diseño y producción de vestuario: Loreto Martínez | Realización de vestuario: Javiera Labbe | Realización de escenografía: Taller el Litre | Realización de pelucas/maquillaje: Carla Casali Escudero | Diseño Sonoro y director de escena: Octavio O`Shee | Diseño de escenografía e iluminación: Daniela Fresard | Fotografías: Fernanda Ruiz | Coreografía: Ymar Mercedes | Producción: Carmina Infante | Dirección/Producción ejecutiva: Teresa Gómez
Desde su reapertura en 2019, hemos acompañado a Teatro La Memoria en la travesía por sostener el espacio. Bajo una nueva mirada colectiva, el teatro ha convocado a artistas y compañías para compartir un lugar de trabajo y visiones de escena. Entre 2019 y 2021 estuvieron en residencia las compañías Teatro La Provincia –encabezada por Rodrigo Pérez–, Teatro La María –fundada por Alexandra von Hummel y Alexis Moreno– y Academia Nómade –dirigida por Millaray Lobos–.
En 2022, bajo el título “Residencia intempestiva: mirar, disentir, crear”, Teatro La Memoria convocó a nuevas creadoras de las artes escénicas provenientes de Santiago y Valparaíso: Alexandra von Hummel, actriz y directora; Nona Fernández, actriz y escritora; Claudia Vicuña, bailarina y coreógrafa; y Katty López, actriz y directora. Y nosotrxs no quisimos que pasara desapercibido.
En 2020 la compañía Teatro La María -fundada por Alexis Moreno y Alexandra von Hummel- cumplió 20 años de trayectoria. Debido a la pandemia, el aniversario con actividades presenciales se aplazó y decidimos conmemorarlo de manera virtual a través de las redes sociales de la compañía. Con más de 20 obras a su haber, nos adentramos en cada una de ellas para rescatar fotografías de montajes y de viajes, bocetos de escenografía e iluminación, gráficas, recortes de prensa y críticas, vestuarios, textos rayados, etc, y plasmamos esa trayectoria como un álbum virtual durante todo el 2020.
Dos años después, en 2022, el aniversario se pudo concretar por fin con obras presenciales, digitales y una exposición con fotografías y objetos que rescatan su trayectoria de 22 años en Matucana 100.
“Temis” -cuyo título hace alusión a la diosa griega de la justicia y la equivalencia- es la nueva obra de la compañía chilena Bonobo que este 2022 cumple 10 años de trayectoria, y es la tercera parte de una trilogía compuesta por las obras “Donde viven los bárbaros” (2015) y “Tú amarás” (2018), ambas premiadas por su dramaturgia e interpretación y aclamadas por la crítica nacional e internacional. Al igual que en sus creaciones anteriores, en este nuevo montaje se reflexiona sobre las formas de violencia y discriminación ejercidas en democracia, con diálogos ágiles donde prima el humor, el absurdo y la incomodidad.
El proceso de investigación y creación comenzó en 2019 luego del estallido social, lo que permeó los cimientos de este montaje. No fue hasta 2022 que la obra se estrenó -a tablero vuelto- en el Teatro Nacional Chileno, proceso en el que les acompañamos desde le gestión de prensa.
Este 2021 seguimos con nuestro podcast “Prendiendo la fogata”. Reunimos a nuestras leñas Gaby Bravo, Tania Araya, Focus Viveros, Lala Cares y Ale Barrientos para encender el fuego en este nuevo canal donde queremos compartir la crítica, la reflexión, las ideas y las experiencias desde las diversas miradas de prendidxs invitadxs, buscando aportar a la incandescente llama del mundo de la cultura y las artes.
En esta tercera temporada prendemos la fogata de la diversidad, los territorios y las ideas. Conversamos de culturas migrantes y pueblos originarios; feminismos y disidencias sexuales; infancia, tercera edad e inclusión junto a colectivos y personas dedicadas a las artes escénicas desde distintas disciplinas y rincones de nuestro país.
El laboratorio de gestión y comunicación en artes escénicas de Fogata Cultura “Prende tu idea” es un programa formativo con un enfoque teórico-práctico y reflexivo, centrado en la gestión y comunicación de proyectos culturales. El objetivo de este laboratorio es profesionalizar al sector a través de la entrega de nuevas herramientas en relación a la gestión, producción y comunicación cultural, además de la observación, análisis y acompañamiento de los procesos de obras escénicas, colectivos artísticos y proyectos relacionados a la cultura y las artes.
Imparten Gabriela Bravo (gestora cultural y productora), Tania Araya (periodista) y Juan Ignacio Viveros (diseñador gráfico y actor).
Primera experiencia de laboratorio
En los meses de noviembre y diciembre de 2021, junto a la Seremi RM del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, impartimos el primer Laboratorio de gestión y comunicación en artes escénicas “Prende tu idea” en formato virtual. La convocatoria se abrió para lxs trabajadores/hacedores/compañías/colectivos del área cultural con un proyecto artístico a desarrollar, con o sin experiencia, en la Región Metropolitana. Completamos los 15 cupos y así desarrollamos este primer experimento durante seis sesiones (de 2 horas c/u) en el transcurso de tres semanas, el que tuvo gratificantes resultados.
Módulo Comunicaciones – Prende tu idea
Experiencias formativas anteriores
Anteriormente algunas de las fogateras habían sido invitadas a impartir su módulos de manera individual, como el caso de Tania Araya en el proyecto Emprende Escena con el curso “Marketing digital” para trabajadores de las artes escénicas en 2021.
Por otro lado, desde 2016 Gabriela Bravo se desempeña como docente de la cátedra de la Facultad de Artes, Gestión y Producción Cultural en la Universidad Academia Humanismo Cristiano.
Tras un año de investigación, residencias, ensayos y creación, la compañía Sopaipilla Teatro estrenó en enero de 2022 “Cuervos de pantano”, una obra que pone en escena tres historias de la Región del Maule, todas provenientes de la cultura popular y de la tradición oral del territorio.
Los acompañamos en la gestión de prensa de esta gira por la región, que contempló funciones en el Teatro Regional del Maule, el Gobierno Provincial de Linares y el Teatro Provincial de Curicó, para finalizar en el Teatro Municipal de San Joaquín, Santiago. Teatro, música en vivo, historia, comedia y folclore en un espectáculo para toda la familia.
En diciembre de 2021, en un respiro del segundo año de la pandemia, Teatro La María estrenó “Cover (del Pato Salvaje de Ibsen)” en Teatro La Memoria. Los primeros lineamientos los trazamos previo a la pandemia, pues la obra se adjudicó un Fondart, convocatoria 2020. Luego comenzaron las cuarentenas y la directora, Alexandra von Hummel, decidió no montar la obra hasta volver a la presencialidad. 1 año y medio después, cuando las restricciones de aforo para los teatros fueron aflojando, retomamos el trabajo.
Entonces comenzó la reconstrucción de la obra original “El pato salvaje” de Henrik Ibsen, padre de la dramaturgia moderna, donde la directora optó por tomar una sola escena de la obra original para construir distintas versiones sobre la misma. Entonces reflexionamos sobre el título, sobre su verdadero sentido, y se transformó en este cover, basada en la idea del cover musical, una reinterpretación de un tema que adquiere vida propia y se emancipa. Y así se fue concatenando la comunicación, desde la redacción del comunicado hasta la identidad de la gráfica y el material audiovisual, representando este montaje donde coexisten versiones divergentes de una misma escena que engendra múltiples interpretaciones o covers que son puestas en relación y tensión.
